«Les suppliantes»: le calvaire de l’imploration
Les affres de la migration trouvent écho dans la tragédie d’Eschyle présentée au théâtre Prospero..
La pièce Les Suppliantes d’Eschyle, écrite vers le Ve siècle avant notre ère, raconte l’histoire des 50 filles de Danaos, appelées les Danaïdes. Ces femmes fuient leurs 50 cousins qui veulent les épouser de force, un mariage qu’elles refusent catégoriquement. Leur demande d’asile auprès du roi d’Argos, en Grèce antique, sert de toile de fond à une réflexion sur la migration et le rejet. La pièce est présentée dans une mise en scène contemporaine par Sophie El-Assaad au théâtre Prospero à Montréal. Eschyle est un auteur grec majeur de la tragédie antique, souvent étudié pour ses œuvres comme L’Orestie, également jouée en 2026 au Théâtre du Nouveau Monde à Montréal. La tragédie grecque classique met en scène des héros confrontés à des dilemmes moraux ou des conflits, souvent inspirés de mythes.
La mise en scène de Sophie El-Assaad propose une interprétation radicalement différente de la pièce originale. Plutôt que de montrer des femmes courageuses et déterminées, comme le suggère le texte d’Eschyle, la création met en avant des figures fragilisées, littéralement courbées sous le poids de leur impuissance. Leur récit n’est pas porté par leurs voix, mais par une narration externe, ce qui renforce l’idée d’une perte d’agentivité, c’est-à-dire de capacité à agir ou à décider pour soi. Cette approche s’inscrit dans une allégorie de la migration, où les personnages deviennent des symboles des réfugiés fuyant des conditions de vie dangereuses pour chercher une vie meilleure. Le spectacle privilégie le langage corporel et la danse contemporaine pour transmettre son message, plutôt que le dialogue verbal.
La scénographie, conçue par Léo Gaudreault, utilise une esthétique rétrofuturiste des années 1960 pour évoquer un édifice antique. Un élément marquant est l’utilisation d’une caméra fixée au plafond, projetant les images des suppliantes sur un écran au-dessus de la scène. Cette installation permet de voir les personnages du point de vue d’une entité supérieure, comme les dieux de l’Olympe ou les pays riches de l’hémisphère Nord, soulignant ainsi la distance entre les migrants et ceux qui pourraient leur offrir refuge. Le spectacle intègre également des images fortes, comme un tableau où des individus s’effondrent en chemin, symbolisant les épreuves des réfugiés. Une scène chaotique montre les personnages perdre leur humanité, sombrant dans la folie, la violence ou la prostitution, illustrant la dégradation des conditions de vie.
La mise en scène s’inspire du théâtre de la cruauté d’Antonin Artaud, un mouvement artistique du XXe siècle qui vise à provoquer des émotions intenses chez le spectateur par des moyens physiques et visuels, plutôt que narratifs. Cette influence se manifeste par une trame sonore oppressante, des tableaux de longue durée (jusqu’à 75 minutes au total) et des mouvements frénétiques des acteurs. Le spectacle cherche à créer une expérience inconfortable pour le public, reflétant les souffrances endurées par les migrants. Cependant, cette approche est critiquée pour son manque de cohérence, avec des éléments comme le costume bouffon du monarque grec ou des indications écrites superflues qui rompent avec le ton métaphorique général.
Parmi les forces de la production, on note l’utilisation audacieuse du corps et de la danse pour transmettre un message politique et humain. Les images fortes et la scénographie innovante renforcent l’impact émotionnel du spectacle. Cependant, la pièce est critiquée pour son manque de concentration, avec une volonté de traiter trop de pistes à la fois, ce qui peut diluer son propos. La durée de certains tableaux, bien que courte (75 minutes au total), est jugée excessive et peut rendre l’expérience spectatorielle éprouvante. Malgré ces réserves, la création remplit son objectif de provoquer une réflexion sur la migration et la condition des réfugiés, en s’éloignant résolument des conventions théâtrales classiques.
